Abstract 2019 - Teaching Artist Italy

Abstract 2019

Lori CUSTODERO – Keynote Speaker
Flow Experience and the Arts: A Lesson in Responsive Pedagogy

When one is deeply involved in an activity and perceives clear goals and immediate feedback from such engagement, they are most likely in flow. This enjoyable state of consciousness is reminiscent of both the artistic process as described by musicians, visual artists, and dancers and also the playful and exploratory learning behaviors of young children. This talk will feature the speaker’s research on flow and its implications for teaching and learning in the arts.

Lori Custodero and Claudia CALI´
Creating Flow Experience with Children Workshop

Young children are said to be in flow most of the time. They transform everyday objects into whatever their imaginations require and they find joy in what adults have long taken for granted. Working with artistic materials in creative ways provides opportunities for children to show what they know and awakens adults to the notion of possibility. Teaching to flow experience means “listening” to what children are “telling” along with a willingness to adapt one’s original plan to accommodate perceived student needs. In this workshop we will consider key features in the design of activities that generate flow experience. Participants will be invited to engage in artistic discovery in several art forms and reflect on the applications to teaching environments and pedagogical practice.

KABOOM PERCUSSION WORKSHOP

Workshop 1

In this workshop Kaboom will take participants through a collection of short percussion pieces and games that are designed to engage, entertain and challenge students in upper primary and middle school. Featuring very accessible instruments such as chairs, cups, buckets, drum sticks and body percussion – these pieces introduce basic drumming techniques, rudiments and rhythms in a fun and engaging way.

Every student is an equal and essential part in making each of these pieces work successfully. Having team-work be such an integral part of this musical experience ensures that there is a collective sense of joy and satisfaction when the group succeeds.

Our aim for this workshop is for participants to leave with a collection of new activities, pieces and strategies for making their classes enjoyable, stimulating and rewarding for their students.

Workshop 2

In this workshop, Kaboom will lead participants through their fun and interactive composition process that they have taught in primary and high schools all across Australia. Based on their own composition process, this method makes composition fun and straightforward, taking away the fear of a blank page through a combination of composition games, crowd-sourced decisions, and the idea of music being made up of building blocks.

This method ensures a satisfying end result even for first-time composers, and allows

the creativity of the students to shine through! Kaboom will demonstrate this process with un-tuned percussion instruments, though this process can be easily adapted to tuned compositions.

Alessandro LUIGINI

EDUCARE ALLE ARTI.
Il disegno e l’illustrazione per raccontare l’architettura e il design.

Educare all’arte significa anche aprire l’esperienza di ognuno di noi a una varietà cangiante di possibilità di scelta e di costruzione del pensiero. Le modalità per educare all’arte sono molteplici e in rapida espansione Una delle possibilità è l’utilizzo del disegno come mediatore. In particolare del disegno dell’architettura e del design contenuto nei libri illustrati per l’infanzia.

La ricerca parte da una indagine di tipo storico-comparativo, in cui i libri presi in esame (oltre 150) vengono analizzati prima dal punto di vista iconografico e iconologico, dei linguaggi grafici e della semiotica visuale e infine dal punto di vista pedagogico-visuale. Il risultato è la definizione di una organizzazione tassonomica esposta anche tramite l’esegesi di alcuni casi studio.

I casi studio raccolti sono diversificati per origine, tecnica e target ma hanno in comune il protagonismo dell’architettura o del design sia in forma autoriale che anonima.

Nell’organizzazione tassonomica abbiamo identificato alcune categorie:

Storie ambientate in architetture d’invenzione
Storie ambientate in architetture e città autoriali
Libri di viaggio
Libri “non-fiction”
1. Libri di concetto
1. ABC’s book
1. Experience book
Monografie di architettura

Oltre alla catalogazione tassonomica si è analizzato ogni volume secondo quattro codici differenti:

Il codice iconico;
Il codice grafico e tipo-grafico;
Il codice di mediazione;
Il codice pedagogico.

Rita COSTATO COSTANTINI

“MUS-E PROJECT and the Artist almost Teacher in Italy” – Oral presentation

The intervention of Rita Costato Costantini, national coordinator of Mus-e Italia Onlus, concerns the nearly twenty-year experience of Mus-e in hundreds of classrooms in primary schools spread across Italy.

Central pivot of the program, conceived by Yehudi Menuhin, is that art can be an ideal tool for working on a setting of education that values cultural differences and, at the same time, helps to lay the foundations for mutual understanding in a context of multiethnic society.

Mus-e aims at promoting intercultural dialogue, mutual understanding and social inclusion among children.

Focus of the project is that the arts can play a transformative role for the well-being of all children irrespective of gender, ethnic, religious or national affiliation.

The art, namely music, drawing, dancing, theater, anything that makes it possible to express the deep feelings of the individual soul, becomes common practice of acting by Mus-e who works with art professionals, dozens of experts who, on a daily basis, work in class: today, in Italy, more than 11.000 students can have free multidisciplinary Mus-e workshops.

Mus-e Italia is a no-profit organization with a federal structure configured as a network of local associations in 13 towns and each location has its own financial autonomy while following the same methodology and management.

The national network is essential, as well as fundamental is the international “network” that is part of the Yehudi Menuhin Foundation based in Brussels, to activate joint projects ranging from national training to Erasmus projects.

Ilaria MIGLIACCIO – Juan Pablo ETCHEVERRY
Playing Stop motion Workshop

IMPORTANTE – Ogni partecipante deve scaricare il software gratuito:

Ogni partecipante deve scaricare il software gratuito:

“Stop Motion studio” https://www.cateater.com/

e anche

“Remote Camera App” https://www.cateater.com/

NB: Sono App per i cellulari che si trovano in Google Play per Android e anche in iTunes per iOS

Nel laboratorio mostreremo alcuni dei processi e punti cardine della nostra pedagogia, che si è consolidata sempre di più con l’esperienza sul campo. L’animazione stop motion è uno strumento interdisciplinare che coniuga, storytelling, manualità, tecniche audiovisive, espressione corporea e soprattutto teambuilding. Per noi l’artista insegnante è colui che riesce a guidare i suoi allievi in modo efficace, perché per primo è padrone della sua tecnica. Qui di seguito riportiamo i contenuti che affrontiamo durante il nostro laboratorio:

La creazione di gruppi eterogenei
La meccanica dell’animazione e della pixilazione
La postazione di lavoro collaborativa
Training teatrale
Divisione in ruoli, rotazione dei ruoli e spazio di confronto

Playing Stop motion

In the workshop we will show some of the processes and cornerstones of our pedagogy, which has become increasingly consolidated with experience in the field. Stop motion animation is an interdisciplinary tool that combines, storytelling, manual skills, audiovisual techniques, body expression and especially teambuilding. For us the teacher artist is the one who manages to guide his students effectively, because he is the first to master his technique. Below we report the contents we face during our workshop:

The creation of heterogeneous groups

The mechanics of animation and pixilation

The collaborative workstation

Theater training

Division into roles, rotation of roles and comparison space

Alessandro LUIGINI

EDUCARE ALLE ARTI. Il disegno e l’illustrazione per raccontare l’architettura e il design
– Oral presentation

Sara NESTI

My space, Our space Workshop

Movement is the most powerful nonverbal means of interaction.

It’s strength is based on experience, presence and emotion.

When I move, I involve my whole self, I challenge myself to relate with others, I share my own personal space with other bodies.

This workshop offers an experience for sharing, interacting and connecting, without the use of words. The focus is placed on visual contact, space interaction and clarity of intention.

Participants will be challenged to work on both an individual and group level.

The proposals aim to create a positive environment for individual expression, through the experience of empathy and mutual support. The goal is to encourage the participants to work as a group, while retaining the unique contribution of each individual member.

The lesson is articulated in movement games involving eye contact, space interaction, creative movement to encourage empathy, self confidence and commitment.

Andor TIMAR
L’arte per lo sviluppo individuale e di gruppo – Workshop

Introducing ideas, tools and good practices, this 1,5 hours workshop is to raise awareness about the importance of experiential learning and more specifically to highlight the potential of applying arts in educational processes, especially in the elementary school environment. The interactive workshop introduces artistic (theatrical) moments that could be exploited when teachers want to support individual and group development processes in the classroom.

Theatre could become one of the most versatile art-forms when students are given the opportunity to apply their knowledge and skills by making connections to the real world. Therefore, effective learning entails active experimentation with a hands-on approach to learning. It is perceived that students learn more by being active. Students are interdependent in establishing group goals and decision-making skills. As a result, students are also capable of developing leadership skills, which can also enhance student motivation and confidence.

Working with our natural resources (our body, voice, concentration and imagination) attendees can experience a real journey through space, time and energy levels, while analysing the MUS-E approach and it’s real contribution to education.

Andor Timar, theatre and educational expert, President of MUS-E Hungary

“The art of creation lies in the gift of perceiving the particular and generalizing it, thus creating the particular again. It is therefore a powerful transformer as well as a generator of creative solutions to a given problem. It is what human exchanges are made of: what makes it possible to share states of mind and consciousness and discover new fields of experience”. Yehudi Menuhin, violinist, the creator of the MUS-E programme

Maria Teresa TRISCIUZZI
Le forme della fantasia. Leggere, scrivere, toccare, dipingere, raccontare attraverso la letteratura per l’infanzia – Oral presentation and Workshop

La molteplicità, caratteristica predominante dell’albo illustrato, è data dai codici, dagli alfabeti, dai significati (Barsotti, 2015). Si nota infatti come le storie illustrate abbiano infatti la specificità di un vero e proprio linguaggio con risorse espressive proprie. Il libro può essere coniugato attraverso multiple forme verbali: prendendo un libro in mano, toccandolo ed interagendo con esso, si valicano i confini dello scibile verso nuovi orizzonti di senso. La lettura del testo e dell’arte grafica può diventare esperienza attiva di esplorazione degli spazi sulla pagina, conducendo il lettore in nuove aree artistico-creative. Leggere significa scoprirsi capaci di evocare e condividere storie e conoscenze grazie alle immagini e al testo, che diventano oggetti di comprensione ed elaborazione, in alcuni casi di commento. Quello della lettura, sia letteraria che iconografica, è una competenza che una volta acquisita concorre in maniera significativa a migliorare la qualità di un’intera vita. Ed è un piacere che si condivide e si dona (Dozza, 2010). Leggere un libro, in particolare un albo illustrato (Faeti, 2011; Salysbury & Styles, 2012; Evans, 2015) è un’azione complessa che quindi richiede il possesso di competenze multiple, proprio come un linguaggio a cui appartengono stratificazioni di forme, di simboli e di significati, un linguaggio che riesce a fondere tali ricchi significati in modo talmente efficace da essere compreso pienamente dai bambini lettori.

Michele CAGOL
I bambini e la composizione musicale. Una proposta pedagogica – Oral presentation

È indubbio che una bambina di tre anni preferirà cantare Aggiungi un posto a tavola di Armando Trovajoli piuttosto che Sequenza III per voce femminile di Luciano Berio (e, forse, questo è un bene). Non è altrettanto scontato che l’orizzonte musicale dei bambini – un orizzonte che condizionerà l’evoluzione dello sguardo e del gusto musicale personale – debba essere limitato alla musica diatonica più elementare, la cosiddetta «musica per bambini». Analogamente, non ci sono evidenze che giustifichino la chiusura dell’educazione musicale dei bambini rispetto a momenti di scoperta, invenzione, creatività e sperimentazione – una chiusura che non si ritrova, invece, nell’educazione alle arti visive e plastiche. In altre parole, non è chiaro perché i bambini non possano comporre la propria musica. Per provare a superare pregiudizi, conservatorismi e condizionamenti culturali, è forse necessario prendere in considerazione la possibilità (e l’urgenza) di un cambio di paradigma nell’ambito della pedagogia e della didattica della musica, a partire dalla prima infanzia. Una nuova prospettiva pedagogica, nell’ambito dell’educazione musicale, dovrebbe inserire nuove pratiche, mettere in primo piano alcuni elementi rispetto ad altri già collaudati, modificare l’ordine delle priorità: introdurre la composizione e l’improvvisazione, e anteporle all’esecuzione; favorire la sperimentazione timbrica, sia strumentale sia elettroacustica; privilegiare la ricchezza del continuum sonoro rispetto alla sua discretizzazione nelle note del sistema temperato equabile; dare rilievo ai suoni non periodici, ai rumori e suoni naturali; introdurre i bambini alle pratiche del field recording e del Deep Listening. La sperimentazione, l’esercizio e la pratica della composizione, per e con i bambini, a partire dall’imitazione dei suoni, dei rumori, delle musiche della natura (e, fra queste, i versi e i canti degli animali) potrebbero essere il punto di partenza di una nuova pedagogia della musica.

The main purpose of this kind of free improvisation is to lead beginners and experts to explore the different qualities of the sound in a meaningful way; these qualities include variations in dynamic, articulation (different kinds of legato and staccato), tempo, melodic profile, and expressive gestures while they search for a transposition from signs to sounds. The challenge to search a musical analogy of the graphic code via improvisation could be a means to improve the student’s awareness of different musical features on the instrument. For this reason, this process should be encouraged from the earliest stage, independently of the technical skill just acquired, due to the absence of tonal linguistic constraints of western music.

Accordingly although each language has its own semantic and structural idioms, a multimodal approach involving visual and musical domain can provide interesting insights in the field of art education.

Sandra FORTUNA

Creative Interaction between Visual Art and Music Oral presentation

Sandra Fortuna[1] Luc Nijs[2]

The pedagogical project is being developed with the postdoc of Luc Nijs at Ghent University. The interaction between the arts according to a multimodal approach is one of the challenges of art education. It is based on the assumption that sounds can be perceived by sight and can suggest imagery, energy, stimulating a cross-modal interaction (Zimmerman & Lahav, 2012). At the same time the process of translation among different domains such us visual and sound represent a key to enhance the expressive nuances and creativity in the arts involved (Nijs, 2014). This idea is not news but represents one of the main standpoints of the Bauhaus Movement of art (Kandinsky, Paul Klee, and Josef Albers), in which the association between painting, musical composition, and movement was explored. The pedagogical project that I am going to describe was implemented in an italian conservatoire of music and in an International Project involving three European Countries, with the aim to offer to teaching artists a model of musical improvisation based on the integration among arts. The free improvisation model is based on the musical interpretation of the features of abstract paintings converted into digital movements. After observing and analysing movements, colour, time, space, line thickness, and signs of an abstract painting, players are prompted to discover a musical transposition according to the expressive nuances of their own instrument or voice.

Keywords

Multimodality, Transposition, Improvisation, Teaching Artists, Music

[1] Conservatory of Music – Frosinone – Ph.D Ghent University

[2] Postdoc Ghent University

Antonello FARULLI

Il modello ACCADEMIA EUROPEA DEL QUARTETTO della Scuola di Musica di Fiesole, primo nucleo della European Chamber Music Academy Oral Presentation

Il modello ACCADEMIA EUROPEA DEL QUARTETTO della Scuola di Musica di Fiesole, primo nucleo della European Chamber Music Academy. Un modello che prende come suo riferimento le “accademie” del passato per proporre una loro versione nel presente volgendo lo sguardo verso le attuali sfide della creatività contemporanea. L’Accademia è, secondo l’accezione originaria del termine, luogo di scambi di esperienze, fucina per l’apprendimento dei giovani artisti a contatto con i maestri, momento di esecuzioni pubbliche, in costante rapporto e apertura tra passato e nuova creatività.

Antonella COPPI
Teaching Artist Italy. Una Introduzione Oral presentation

Nella scuola italiana assistiamo molto spesso all’incontro di un artista con l’insegnante, perché soprattutto nella scuola dell’Infanzia e nella Primaria, la tendenza è quella di assegnare ad uno “specialista” le attività curriculari ed extra-curriculari di espressione visuale, teatrale, musicale, drammaturgica e coreutica, ritenute troppo specifiche per essere insegnate da un docente “generalista” (Booth, 2009). Tali esperienze artistiche costituiscono uno dei mezzi di espressione maggiormente in grado di suscitare profonde emozioni e sentimenti significativi nei bambini (Sellari, 2011) e per questo irrinunciabili sotto il profilo educativo, seguendo una propria logica che è diversa da quella del linguaggio verbale (Nattiez, 1989).
Molti insegnanti di discipline artistiche, nel nostro Paese, ma anche in Europa e negli Stati Uniti, provengono da una specifica formazione artistica, che non comprende temi pedagogico-didattici, ma molti artisti, anche per trovare uno spazio di lavoro, integrano la loro professionalità artistica con l’insegnamento (Cambi, 2014). In questo senso, gli insegnanti sperimentano le tipiche “contraddizioni” di uno sviluppo professionale che influisce seriamente sulla costruzione della propria identità professionale, sia come insegnanti di disciplina artistica che come artista professionista (Dallari 2009). D’altra parte, per molti artisti, l’insegnamento diventa una vera e propria scoperta, in cui trovare grandi soddisfazioni sia dal punto di vista didattico che artistico (Piatti, 2006). È innegabile che questa doppia “personalità” possa sollevare una sorta di “conflitto” di ruoli, che nel tempo può allontanare l’artista dalla scuola nel mondo di qualsiasi produzione artistica da solo, mentre altri, più dediti alla trasmissione di conoscenze e competenze, abbandoneranno la mera professione dell’arte per dedicarsi totalmente alla carriera didattica. Per altri, sarà possibile bilanciare le carriere di un artista e di un insegnante, costruendo un proprio modello identitario che integra il comportamento artistico con l’insegnamento. Questo profilo in un contesto americano e anglosassone, che si chiama Teaching Artist. Come si presenta questo contesto nel nostro Paese? È possibile individuare questo tipo di professionalità riconducibile al modello americano e anglosassone? Questo lavoro offre una riflessione sul ruolo e l’identità dell’artista-insegnante in Italia oggi, per individuarne le urgenze critiche, il rapporto con le istituzioni, i limiti e le potenzialità (Cappa, 2014). Oggi tutte queste questioni vanno oltre un unico campo disciplinare per affrontare un concetto più ampio di cultura e, inevitabilmente, dell’essere umano. Si intende inoltre analizzare, attraverso le posizioni di voci autorevoli in questo campo, come l’istruzione superiore e la formazione continua siano una risorsa essenziale per l’artista professionista, così come per l’artista professionista che è anche artista-insegnante, con particolare attenzione all’apprendimento permanente nelle arti, attraverso eventi e laboratori artistici. L’obiettivo è quello di evidenziare come le arti assumano uno spiccato ruolo di «fruizione, di immaginazione, di annuncio della “vita buona” per ciascuno e per tutti» (Cambi, 2016)e come in questo l’insegnamento dell’artista oggi possa costituire una risorsa cruciale per il futuro dell’educazione artistica, delle arti e del processo di apprendimento di ogni cittadino (Elliot, 2016).

Teaching Artist Italy. An Introduction

In Italian schools, we often attend meetings of artists with the teacher, especially because in kindergarten and primary schools, the tendency is to assign the curricular and extra-curricular activities of visual expression, theatre, music, drama and choreography, to a “specialist”: those activities are considered to be too specific to be taught by a teacher considered a “generalist” (Booth, 2014). These artistic experiences are one of most important expression for children, able to arouse deep emotions and significant feelings (Sellari, 2011) and, therefore, essential from an educational point of view, following its own logic that is different from that of verbal language (Nattiez, 1989). Many teachers of artistic disciplines, in our Country as well as in Europe and the USA, come from a specific artistic education, which does not include the pedagogical-didactic way, but many artists, even in order to find a working space, find themselves integrating their artistic professionalism with teaching (Cambi, 2014). In this sense, teachers experience the typical “contradictions” of a career development that seriously affects the construction of their own professional identity, both as teachers of artistic discipline and as professional artist. On the other hand, for many artists, teaching becomes a real discovery, in which to find great satisfaction from both the didactic and artistic point of view (Piatti, 2006). It is undeniable that this double “personality” could raise a type of “conflict” of roles, that over time can push the artists away the artist from school in to the world of any artistic production alone, while others which are more devoted to the transmission of knowledge and skills, will abandon the mere profession of art to devote themselves totally to a teaching career. For others, it will be possible to balance the careers of an artist and a teacher, building their own identity model that integrates artistic behaviour with teaching. This profile in an American and Anglo-Saxon context, that is called Teaching Artist. How is this context presented in our Country? Is it possible to identify this type of professionalism, which can be attributed and reconciled to the American and Anglo-Saxon model? This work offers a reflection on the role and identity of the artist-teacher in Italy today, to identify the critical urgencies, the relationship with institutions, limits and potential (Cappa, 2014). Today, all these issues go beyond a single disciplinary field to address a broader concept of culture and, inevitably, of the human being. It is also intended to analyse, through the positions of authoritative voices in this field, how higher education and continuing education are an essential resource for the professional artist, as well as for the professional artist who is also artist-teacher, with particular attention to lifelong learning in the arts, through events and art workshops. The aim is to highlight how the arts assume a strong role of “fruition, imagination, announcement of “good life” for everyone and for all citizen” (Cambi, 2016), and how in this the teaching of the artist today can be a crucial resource for the future of art education, the arts and the learning process of every citizen (Elliot, 2017).